Kalenderwoche 44: Feuchte Wohnung, Silberdolche, Werwölfe im Sumpf und Gary Coleman?

Kalenderwoche 44: Feuchte Wohnung, Silberdolche, Werwölfe im Sumpf und Gary Coleman?

Dark Water – Besuch aus dem Jenseits (2002)

Klassiker des japanischen Geisterhorrors. Sehr langsamer Film, der nur langsam übernatürliche Elemente hinzufügt, der Grusel ist jedoch effektiv und atmosphärisch. Richtig gut wird der Film aber als Sozialdrama über eine alleinerziehende Mutter. Vor allem funktioniert gerade das Drama hier so gut, weil sowohl Hitomi Kuroki als Mutter, aber auch Rio Kanno in der Rolle ihrer sechsjährigen Tochter sehr überzeugend sind. Man nimmt den beiden sehr gut ab, das sie wirklich Mutter und Tochter sein könnten. Sicherlich nicht die richtige Wahl wenn ihr auf der Suche nach Gore und Scares seid, aber eine klare Empfehlung für einen gruseligen Abend.

Demon Hunter (1983)

Kurioser Werwolfslasher aus Mexiko. Ein Tierarzt und ein Priester jagen einen Schamanen der getötet wurde und jetzt als Nahual zurückgekehrt ist. Teils trashig, teils ganz passabel gefilmt, stolpert der Film von einem netten Moment zum nächsten. Dazwischen liegen aber extrem schlechte Dialoge und völlig fehlplatzierter Humor. Dennoch schön dieses mexikanische Rarität mal gesichtet zu haben.

Moon of the Wolf (1972)

Völlig kurioses Kleinod von Werwolf Film. TV-Produktion aus den Siebzigerjahren, gedreht von Daniel Petrie, dem Regisseur von „A Raisin in the Sun“ (1961) und Claudia McNeil spielt sogar auch noch mit. Allein deshalb ist der Film ein Muss. Der Film ist dann aber ziemlich blutleer und eher ein Krimi, der in den Südstaaten angelegt ist. Das lustigste ist, dass der Film wohl nur 10 Minuten lang wäre, könnte nur jemand französisch sprechen. Die Wolfeffekte sind solide, erinnern aber eher an die Fünfzigerjahre. Und der Twist, wer jetzt wirklich so derartig offensichtlich, das wir eher überrascht waren, dass es wirklich die Person es war. Putzig und etwas schrullig. Insgesamt eigentlich ein ganz netter Film.

Night of the Living Doo (2001)

Postironische selbstvernudelung von Scooby Doo. Viele Gaststars, viele dumme Witze und ein ausgiebiges Spiel mit allen Scooby Klischees die ihr euch vorstellen könnt. Wer mit anderen spoofs von klassischen Hanna-Barbera, wie „Space Ghost – Coast to Coast“ was anfangen kann, wird auch hier gut unterhalten.

Sherlock Holmes – 74 – Botschaft aus dem Jenseits (Titania Medien)

Sherlock Holmes – 74 – Botschaft aus dem Jenseits (Titania Medien)

Ein merkwürdiger Brief erreicht Sherlock Holmes (Joachim Tennstedt), der gerade mit seinem Neffen Montgomery (Julian Tennstedt) an übelriechenden Experimenten werkelt. Ein kleines Mädchen bittet den Meisterdetektiv um Hilfe. Sie fürchtet ihre zukünftige Stiefmutter könnte böses im Sinn haben. Sherlock Holmes hält es für besser, den Hilferuf der kleinen Violet (Marlene Bosenius) ernst zu nehmen. Dr. Watson (Detlef Bierstedt) wird in Begleitung von Sherlocks Neffen in das Anwesen von Lord Dumbarton geschmuggelt und wirklich stellen die Beiden fest, das hier etwas nicht stimmt, was vor allem mit der verstorbenen Lady Dumbarton zu tun haben scheint.

Kalenderwoche 43: Puppen, Krokos, Schleim, Schafe, Ausgänge und Hochzeiten!

Kalenderwoche 43: Puppen, Krokos, Schleim, Schafe, Ausgänge und Hochzeiten!

Curse of Chucky (2013)

Chucky kehrt nach langer Abwesenheit zurück und sieht frischer aus denn je. Diesmal terrorisiert er eine Junge Frau im Rollstuhl, gespielt von Fiona Dourif, der Tochter von Brad Dourif, den wir ja vor allem als die Stimme von Chucky kennen. Der Look der Puppe gefällt mir etwas weniger als in den vorhergegangenen Filmen, dafür mag ich aber, dass der Fokus nicht mehr so sehr auf Comedy liegt und Chucky wieder etwas weniger redet und flucht. Macht es dann umso effektiver wenn er endlich wieder anfängt zu reden. Die Kills sind unterhaltsam und ideenreich, die Effekte für das Budget auch voll in Ordnung und die Figuren sind auch interessant genug um dran zu bleiben. „Child’s Play“ (1988) und „Bride of Chucky“ bleiben meine Lieblingsfilme des Franchise, aber „Curse of Chucky“ ist nicht viel schlechter und gleichauf mit Teil 2.

Eaten Alive (1976)

In den Sümpfen von Ost Texas führt der geistig nicht ganz fitte Judd (Neville Brand) ein schäbiges Motel. Bei seinem angeschlagenen Gemüt, kann es schon mal passieren, dass er einen Gast tötet. Besonders wenn es sich dabei um leichte Mädchen handelt, damit kann er nämlich nicht unbedingt umgehen. Um es einfacher zu machen, die Leichen los zu werden, hat er ein afrikanisches Krokodil im Tümpel hinter dem Motel, dass seine Opfer gerne mit Haut, Haar und Beinkleid verputzt. Langsam wird die Luft allerdings dünner für Judd, da er allmählich etwas zu auffällig agiert und einige Hinweise offensichtlich auf ihn zeigen.

Ich weiß ja nicht wie ich es geschafft habe diesen Film nie gesehen zu haben. Tobe Hoopers „Texas Chainsaw Massacre“, war eine meiner gruseligsten Jugend Filmerfahrungen. Auch „Poltergeist“ hat bleibenden Eindruck auf mich gemacht. Ich würde also schon sagen ein kleiner Hooper Fan zu sein. Dann noch Robert Englund (Jack Brooks) in einer Rolle die einem noch lange im Gedächtnis bleiben wird, plus verrücktem Redneck mit Alligator. Was kann man da falsch machen?

Schon nach einigen Minuten wird klar warum der Film nicht so bekannt ist wie TCM. Die Atmosphäre ist zwar auch bedrückend, aber nicht annähernd so dicht wie in dem Vorhergegangenen Werk Hoopers. Insgesamt ist der Look auch ziemlich trashy und besonders der Alligator ist wohl eines der schlechtesten Animatronics überhaupt. Nach ein paar Drehtagen hat sich das Ding wohl völlig mit dem brackigen Wasser vollgesogen und konnte weder im Wasser hin und her bewegt werden, noch irgendwie bedrohlich wirken. Nicht mal der Kiefer lies sich mehr richtig öffnen und schließen. Selbst als man in den Zoo fuhr um dort Alligatoren zu Filmen, damit man wenigsten ein paar Bilder hat in dem sich das Reptil bewegt, konnten die Tiere nicht dazu motiviert werden irgendwas zu machen.

Alles wirkt also irgendwie sehr billig und improvisiert. Zudem wurde der ganze Streifen im Studio gedreht, was einerseits durch sehr gelungene Beleuchtung ein ganz eigenartiges Feeling erzeugt, andererseits aber sofort erkenntlich ist und den Film noch billiger wirken lässt. Insgesamt ist der Film aber so dreckig und sleazy, die meisten Figuren so absurd und schrecklich das man den Film einfach mögen muss. Allein Englunds und Neville Brands Leistungen sind eine Sichtung wert. Erschreckender ist noch, dass man bei den Interviews und dem Kommentar immer wieder hört, dass Brand teilweise gar nicht wirklich spielt und am Set zu jeder Zeit eher unangenehm war. Es war wohl ein recht angespanntes und intensives Erlebnis für alle Beteiligten, was sich auf die Zuschauer*innen schnell überträgt.

Gore technisch hat der Film nicht viel zu bieten, wenn dann aber recht deftig und ungehalten. Alles zusammen gibt einen zwar eher räudigen Film ab, trotzdem kann man sich dem unangenehmen, dreckigen Gefühl nicht entziehen, das der Film versprüht. Ich fühlte mich echt gut unterhalten und empfehle „Eaten Alive“ allen Fans von Sleazy 70‘s Flicks.

The Blob (1958)

Steve McQueen, in der Rolle des ältesten Teenagers der Welt, im Kampf gegen einen nur wenig bedrohlichen Weltraumschleims. Natürlich ist der Blob ein Kultfilm, aber bis auf die ulkige Prämisse hat der Film heute nicht mehr sonderlich viel zu bieten. Dabei fängt es so gut an, nämlich mit einem schmissigen Surfrocksong, der uns vor dem Titel gebenden Monster und seinen Gefahren warnt. Toll! Dann erst mal lange nichts, außer Schauspieler*innen Anfang 30 die Teens spielen sollen. Immer gut so was. Dann der erste Blob Angriff, der schon etwas unheimlich, eklig aber auch albern ist. Danach mäandert der Film noch einige Zeit dahin. Stimmig finde ich dann nur noch den blobbigen Angriff aufs Kino. Der Rest unterhält dann nur mäßig. Insgesamt zwar schon ein sympathisches Filmchen, wüsste aber nicht warum man bei Blob Bock nicht besser auf das Remake ausweichen sollte.

Glennkill: Ein Schafskrimi (2026) [Plaion]

Ein Schafskrimi angesiedelt, irgendwo zwischen Agatha Christie und „Knives Out“. Hugh Jackman ist ein liebevoller Schäfer in einem kleinen englischen Örtchen. Als er überraschend ermordet wird, kommen gleich mehrere Verdächtige in Frage, denn so mancher im Ort würde durch seinen Tod profitieren. Da die örtliche Polizei aber vollkommen nutzlos ist, ist es die Aufgabe seiner treuen Schafherde den oder die wahre Mörder*in zu ermitteln. Ein insgesamt sehr liebenswerter Cozy-Krimi mit niedlichen CG Schafen. Die Animationen sind leider nicht so gut wie man sich das wünschen würde, man gewöhnt sich aber recht schnell daran und dann geht’s. Sowohl im O-Ton als auch in der deutschen Synchro sind einige Schafe toll besetzt. Zum Beispiel mit Patrick Stewart oder Bastian Pastewka. Der Humor kann dabei manchmal etwas stumpf werden, ist insgesamt aber auch einen Schmunzler wert. Kein herausragender Film, aber gerade als Krimi für die ganze Familie sehr gut geeignet.

Die Blu-ray von Plaion kommt leider gänzlich ohne Extras.

Exit 8 (2025) [Plaion]

Extrem akkurate Verfilmung des gleichnamigen Indiegames. Ein junger Mann verirrt sich in den Gängen einer japanischen U-Bahnstation. Nur wenn er alle Anomalien in dem Gang rechtzeitig erkennt kann er dem echten Ausgang finden. Effektiver und minimalistischer Backrooms / Subliminal Space Horror, der die meiste Zeit ohne große Schockmomente auskommt und fast gänzlich von seiner Backrooms Atmosphäre zehren kann. Hauptdarsteller Kazunari Ninomiya macht seine Sache ziemlich gut und auch die wenigen Nebenfiguren wurden gut besetzt. Falls euch das Backrooms Thema interessiert ein sehr guter Film, andernfalls ist es vielleicht etwas schwer sich auf das sehr spielerische Konzept einzulassen. Einen Blick ist er aber wert finde ich.

Leider wieder ohne Extras.

Crazy for You (2025) [Plaion]

Regiedebüt von Jimmy Warden, dem Autor von „Cocaine Bear“. Handelt von einem Popstar gespielt von Samara Weaving (Ready or Not), die von einem Stalker, der von Ray Nicholson (Smile 2) gespielt wird, bedroht und entführt wird. Das Ganze ist solide gefilmt und auch fast durchweg gut gespielt, das Drehbuch allerdings funktioniert nur an wenigen Stellen wirklich gut. Am launigsten wird der Film wenn er völlig einsteigt in die Absurdität des Stalkers, Verlassen wir aber seine Fantasiewelt und müssen uns mit den realen Konsequenzen seiner Taten auseinander setzen zerfleddert der Film. Vor allem wird dabei das Stalking-Thema zu sehr für billige Gags genutzt und somit verharmlost. Dies würde vielleicht funktionieren wenn es einen Stilbruch gäbe zwischen der Wahrnehmung des Stalkers und der Realität, den gibt es jedoch nur bedingt im Punkt der Inszenierung. Tonal tut sich das leider wenig, wodurch teilweise die Reale Ebene noch mehr nach billiger Slapstick anfühlt. Insgesamt aber sehr schade, da der durchaus interessante Momente bietet, daraus dann aber nichts macht.

Die Blu-ray bietet noch ein Making-Of als Extra.

Kalenderwoche 40: Hinterzimmer, Wunschweiden, Blutbäder, badende Leichen, stehende Sanduhren & adoptierte Teufel!

Kalenderwoche 40: Hinterzimmer, Wunschweiden, Blutbäder, badende Leichen, stehende Sanduhren & adoptierte Teufel!

Backrooms (2026) [Leonine]

Backrooms macht einiges richtig. Die Setdesigns sind toll. Einige der bekannteren Liminal Spaces Fotos werden detailgetreu nachgestellt und gerade in den Found Footage Momenten funktioniert auch der Horror ziemlich gut. Ein paar Dialoge schaffen es zudem relativ gut persönliche Traumata in den Symbolismus der Backrooms einzuweben. Am Ende interessierten mich die Charaktere aber nicht so richtig. Die Backrooms dafür umso mehr und es war schön dieses Konzept derart ausgearbeitet in einem Film zu sehen. Am Ende wird dann der Monsteranteil etwas zu groß. Ich mag meine Spaces eher ohne monströse Bedrohung, weil ich das Konzept auch ohne Monster gruselig und auch gruseliger finde. Außerdem fühlt sich der dritte Akt an, als hätte man einen dritten Akt vergessen.

Die Blu-ray von Leonine kommt mit ein paar kleineren Extras, sowie einem sehr interessanten Audiokommentar von Regisseur Kane Parsons.

Obsession – Du sollst mich lieben (2025) [Plaion]

Curry Barker holt alles aus der Prämisse raus was sie her gibt. Dabei entstand ein Psychohorrorfilm ohne der in jedem Moment unterhalten kann. Jump Scares werden effektiv und meist klischeefrei benutzt. Der Film spricht schwere Themen an ohne das der Horroranteil darunter leidet, die Figuren sind toll geschrieben und vor allem profitiert der Film von Inde Navarrette, die wirklich unglaublich fesselnd und losgelöst spielt. Selten eine solch beeindruckende Leistung einer noch eher unerfahrenen Schauspielerin gesehen. Sehr zu empfehlen und nicht ohne Grund der gehypteste Horrortitel des Jahres.

Die DVD kommt mit einem kleinen Making Of und einem Audiokommentar mit Regisseur.

Blade (1998)

„Blade“ war die erste und bis heute eine der wenigen edgy Comicverfilmungen die funktioniert haben. Wo „Spawn“ zum Cringefest verkommen ist, schafft Stephen Norrington mit „Blade“ stylishe Kämpfe, coole One-Liner und Gore Effekte zu einem rundum befriedigenden Film zu formen. Zu verdanken ist das wohl vor allem Wesley Snipes, der sichtlich Spaß hat und es vor allem auch physisch beherrscht die Rolle eines coolen Vampirantihelden einzunehmen. Eine physische Präsenz, die man nur sehr wenigen der MCU Darsteller*innen akkreditieren kann. Natürlich ist der Film nicht unbedingt gut gealtert, die Eröffnungsszene allein ist aber immer noch Grund genug ihn zu sehen. Ansonsten muss man aber sagen, das CGI hat sehr unter der Zeit gelitten und das Finale ist recht stark in die länge gezogen und würde mit etwas mehr Tempo sicherlich besser funktionieren.

Ein Toter spielt Klavier (1961)

Mystery-Thriller mit unheimlichen Momenten aus dem Hause Hammer. Christopher Lee ist hier nur in einer kleinen Nebenrolle zu sehen, die Hauptrolle übernimmt dafür Susan Strasberg, die hier eine verängstigte junge Frau im Rollstuhl spielt. Sie verkörpert ihre Rolle sehr überzeugend und findet einen glaubwürdigen zwischen Angst und einer recht rebellischen jungen Frau. Es ist ein langsamer Film, der die Spannung dennoch sehr gut halten und bis zum Ende steigern kann. Zudem bekommen wir ein paar Twists geboten, die ich in einem Film aus der Zeit nicht erwartet hätte. Schade das „Taste of Fear“ nicht die selbe Bekanntheit erreichen konnte wie andere, teilweise deutlich weniger ambitionierte Titel aus den Hammer Studios.

Die Uhr des Grauens (1989)

Einbrecher*innen Trio gegen altes Ehepaar mit Zeitreiseuhren! Dieses späte TV-Werk von Lucio Fulci hat zwar ein paar Qualitätsmale des Altmeisters, ist insgesamt aber eher langweilig. Wie gewohnt bekommt ihr ein paar schöne Aufnahmen, die durchaus Atmosphärisch sind. Die Gore Effekte sind durch die Restriktionen des Fernsehens natürlich etwas braver als von Fulci gewohnt, aber dennoch sind darunter ein paar eklige, wenn auch alberne Momente. Das Acting hingegen ist grausig und der Plot zwar eigentlich ganz interessant letztlich aber doof und repetitiv. Ein Film mit netten Momenten und Ideen, insgesamt aber absolut anstrengend und öde.

Das Omen (1976)

Immer noch guter okkulter Horror, klar angesiedelt im Fahrwasser von Friedkins „Der Exorzist“, dennoch eigenständig genug um nicht langweilig zu sein. Insgesamt auch gut gespielt, handwerklich ordentlich gefilmt, aber in meiner Erinnerung war das alles spannender und aufregender. Der Anfang bleibt sehr atmosphärisch, auch wenn schon da das Drehbuch seine ungelenken Züge zeigt. Aber ab der Mitte fühlt der Film sich streckenweise sehr schleppend an und verliert dadurch stark an Punkten. Die starken Momente bleiben in Erinnerung, dazwischen ist aber auch viel albernes, peinliche Dialoge und Ungereimtheiten.

Gruselkabinett – 198 – Edgar Allan Poe – Der schwarze Kater (Titania Medien)

Gruselkabinett – 198 – Edgar Allan Poe – Der schwarze Kater (Titania Medien)

Nach dem Tod seiner ersten Ehefrau Heiratet Julian (Christoph Jablonka) schon bald erneut und kurz darauf sind sie zu dritt: Ein schwarzer Kater wird ebenfalls Teil ihrer kleinen Familie. Doch mit dem Kater kommt auch etwas düsteres ins Haus. Julian verändert sich allmählich, sein Gemüt wird immer finsterer, er trinkt mehr und wird jähzornig. Ist der Kater wirklich verflucht? Oder ist das Böse doch eher Teil von Julians Inneren?

Mit einer Länge von über 80 Minuten handelt es sich um eine nur schwer am Stück durchzuhaltene Gruselkabinett Folge. Vor allem liegt das aber an den Musiken von denen manche im Endlosen Loop in ebenso unendlichen Monologen vor sich hinwabern. Hinzu kommen einige gewöhnungsbedürftige Sexszenen und Christoph Jablonka, der hier etwas zu sehr versucht besonders betroffen vom dem Erzählten zu sein. Ist insgesamt ziemlich drüber.

Beim Hören werdet ihr feststellen, dass der titelgebende Kater erst sehr spät in dieser Folge auftritt, was daran liegt, dass hier gleich drei Edgar Allan Poe Kurzgeschichten verwurstet wurden. Denn neben dem schwarzen Kater bekommt ihr auch noch „Morella“ und „Das ovale Portrait“ geboten. Gerecht wird man letztlich leider keiner der Geschichten. Die Art wie die verschiedenen Geschichten hier verbunden werden ist schon okay, aber insgesamt ist diese Folge leider nur mäßig unterhaltsam und es gibt einfach zu viele schwache Momente. Schade, denn gerade auf diese Poe Folge hatte ich mich sehr gefreut.

Sherlock Holmes – 73 – Die trügerische Spur (Titania Medien)

Sherlock Holmes – 73 – Die trügerische Spur (Titania Medien)

Wieder einmal herrscht großer Trubel im Haus von Ms. Hudson. Denn ein wegen Mord gesuchter Mann, bittet ausgerechnet Sherlock Holmes darum, seine Unschuld zu beweisen. Und noch kurioser: Es handelt sich bei dem Mann um einen alten Bekannten, den Holmes einst als Täter in einem frühen Fall ausgemacht hatte. Diesen Mord schwört er allerdings nicht begangen zu haben. Ein paar verdächtige Kamelhaare später finden Holmes und Dr. Watson sich im Zoo wieder, wo sie dem wahren Täter schon deutlich näher kommen.

Also die Kamelhaare und das Kamelblut am falschen Beweisstück haben mich irgendwie schon abgeholt und auch der Zoobesuch ist ganz amüsant. Ansonsten gibt dieser Fall aber leider absolut nicht eine Spielzeit von 80 Minuten her. Dadurch kommt es dann zu einigen Punkten die öfter und vor allem ausgiebiger Durchgekaut werden als nötig wäre. Zudem ist die Auflösung sehr simpel und ebenso leicht vorhersehbar. Ein paar der Erklärungen sind recht hanebüchen, vor allem in Bezug aufs Kamelblut.

Technisch ist alles beim Alten, da kann man Titania wie immer ausgiebig loben, auch wenn das Klangbild meist etwas zu starr ist und man natürlich als alter Fan alle Titania Melodien und Geräusche zu genüge kennt. Etwas frisches Blut würde hier sicherlich gut tun. Das größte Problem ist eigentlich wie immer die Spielzeit. Ich verstehe auch nicht warum man wirklich jedes Mal die CD so voll machen muss wie möglich, selbst wenn der Fall dies nicht hergibt. Die Sprecher*innen machen ihre Sache gewohnt gut und vor allem das Duo Tennstedt und Bierstedt als Holmes und Watson hört man ja immer gerne. Insgesamt also eine solide, aber eher mittelmäßige Folge, die dennoch ihre netten Momente hat.

Carlsen Manga / Comics im Oktober 2026!

Carlsen Manga / Comics im Oktober 2026!

Tim Burton’s The Nightmare before Christmas – Der Kampf um die Krone

Ein Comic der die Vorgeschichte des Filmes erzählt. Die Handlung kreist um die ehemalige Freundschaft zwischen Jack Skellington und Oogie Boogie und wie sie Zerbrach, denn nur einer von ihnen kann der König von Halloween Town werden. Die Geschichte erweitert auf gekonnte Weise die Geschichte des Films, die Charaktere sind gut geschrieben und ähneln sich ihren späteren Filmvarianten. Vor allem aber kann das Artwork von Deborah Allo Eindruck hinterlassen. Ihr Stil schafft es toll zauberhafte Momente, Düsternis und einen melancholischen Ton zu kombinieren. Leider ist dann aber die Kolorierung von Roberto Scalia etwas zu bunt geraten für meinen Geschmack. Der Comic erscheint als schmucker Hardcover Band und löblich ist hier auch der sehr umfangreiche Bonus Teil des Comics voll mit Konzeptzeichnungen und Skizzen.

Shinobi Undercover #2

Gemeinsam konnten Yodaka und Hibari den abtrünnigen Ninja bezwingen. Lange bleibt es danach aber nicht ruhig und schon bald müssen sie mit einem neuen Attentäter rumärgern. Aoi ist also schon wieder in Gefahr und gleichzeitig sorgt dann noch das Schulsportfest für Trubel. Weiterhin leichtfüßige Action-Comedy mit recht interessanten Figuren und ein paar netten Gags. Das Artwork ist auch recht passabel und hat sogar ein paar stark inszenierte Actionmomente. Kann man mal anlesen.

Liu Cixin – The Three-Body Problem #1

Drei Sonnen die immer wieder das Ende der Zivilisation einläuten und eine Welt in der Wissenschaftler*innen reihenweise versterben und die Regeln der Physik ihre Gültigkeit zu verlieren drohen. Dies ist das Ausgangszenario für Liu Cixins Science-Fiction Welterfolg. Nach einer Netflix Serie kommt nun also auch eine Comicreihe aus der Feder von Wu Qingsong hinzu. Der erste Band hält sich bisher sehr nahe an die Romanvorlage und setzt die Geschichte recht gekonnt ins Medium Comic um. Die Qualität des Artworks schwankt leider relativ stark zwischen sehr gut und nur ganz okay. Die Kolorierung ist meist recht schön und das Seitenlayout recht einfach gehalten, kleine interessante Ideen sorgen jedoch dafür, dass das Layout nie langweilig wird. Schöner Hardcover Band und für Science-Fiction Fans in jedem Fall ein Blick wert.

Calvin und Hobbes Kompakt Buch 3+4

Bill Watterson unterhält mit seinen Comicstrips um den kleinen Jungen Calvin und seinem Plüschtiger Hobbes nun schon seit den 80ern mehrere Generationen von Comicfans. Nun kommt mit der Kompaktreihe von Carlsen eine schöne Neuauflage der Strips heraus. Der Zweite Schuber beinhaltet zwei Softcover Bände im Längsformat mit allen Strips von März 1987 bis Juli 1988. Einer sehr schöne und qualitativ hochwertige Neuauflage, toll für Sammler*innen und neue Leser*innen. Die Comics selbst sind toll gealtert und versprühen immer noch ihren anarchischen und kindlichen Charme. Auch Heute noch ist es wunderbar zu sehen wie Watterson teils komplizierte Gesellschaftliche Themen von einem Kind und seinem imaginären Freund durchkauen lässt und dabei immer wieder profunde Wahrheiten aufdeckt oder hintergründiges ausdrückt.

Kalenderwochde 39: Zu heiß geduscht, skeptische Pflanzen, Schuppige Haare, eine heitere Seance & eine fliegende Schildkröte Namens Rupert!

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Pulse (1988)

Geisterhausfilm ohne Geister, dafür aber mit bösem Strom. Wieso und weshalb die Elektrizität böse geworden ist wird hier nicht näher geklärt, auch richtige Regeln dafür was der Strom wie machen kann werden nicht etabliert. Somit ist der Horror hier ziemlich Random. Zugleich bleiben alle Figuren sehr blass und bleiben bis zum Ende wenig sympathisch und interessant. Ein paar der Horrorelemente hätten durchaus Potential wenn man Szenen anders arrangiert hätte. So bleibt am Ende nur wenig in Erinnerung und spannend war es auch nur in wenigen Momenten. Eher etwas zum Einschlafen.

Die Todeskarten des Dr. Schreck (1965)

Erstmal sei gesagt, diese Freddie Francis Horroranthologie von Amicus ist kein wirklich guter Film. Ein Blick lohnt sich dennoch allemal, denn geboten wird euch allemal genügend. Peter Cushing sagt fünf Männern, unter ihnen Christopher Lee, die Tarotkarten. In ihrer Zukunft wartet sicher kein Happy End. Stattdessen bekommt ihr in den einzelnen Segmenten einen Werwolf, Killerefeu, tödliche Voodooklänge, eiskalte Händchen & Vampire geboten. Da ist für alle was dabei und bis auf das Voodoo Segment, das nicht nur schlecht gealtert, sondern auch einfach uninteressant ist hat jeder Kurzfilm seine guten Momente.

Ich mag hier vor allem das es keinen doppelten Boden gibt, keine Metaebenen, nichts subversives. Alles ist immer genau das, was ihr seht. Das wirkt zwar zuerst platt und unintelligent, versprüht aber zugleich einen gewissen kindlichen Charme. Cushing und Lee haben sichtlich Spaß an ihten albernen Streitereien und zu allem Überfluss wird Lee auch noch von einem Schimpansen gedemütigt. Ich liebe es. Zusätzlich bekommt ihr auch noch Donald Sutherland als fiesen Vampirarzt. Alles toll.

Wie die meisten Amicus Filme sind auch hier einige schön dekorierte Studiosets zu sehen. Das wirkt zwar alles recht billig und manchmal auch wenig durchdacht, gleichzeitig ist alles liebevoll arrangiert. Ein typischer Film für einen faulen Sonntag.

Die brennenden Augen von Schloss Bartimore (1964)

Zuerst einmal etwas sehr peinliches: Ich habe Christopher Lee (Rasputin – Der wahnsinnige Mönch, 1966) nicht erkannt… naja aber er hat hier auch einen komischen Schnäuzer und ein komisches Gebiss und komische Haare und spielt einen komischen Professor aus Leipzig. Auf der anderen Seite haben wir Peter Cushing (Die Bande des Captain Clegg, 1962), der hier zwar nur wenig mit den Machenschaften der Gorgonin zu tun hat, am Ende ist er aber irgendwie doch mehr der Bösewicht als das Schlangenweib selbst. Insgesamt ein handwerklich, wie gewohnt, gekonnter Hammer Streifen von Terrence Fisher (Frankensteins Höllenmonster, 1974). Die Schauspieler*innen machen ihre Sache ebenfalls gut, dennoch kann der Film nicht die Qualität der 1. Liga aus den Hammer Studios erreichen. Vor allem liegt das allerdings an dem Drehbuch, das besonders im Mittelteil länger auf der Stelle tritt. Außerdem hüpfen wie zu Beginn recht lange von einer Hauptperson zur anderen bis der Film in die Puschen kommt. Ansonsten alle wie gewohnt. Wundervolle Details, super Sets und eine überaus getragene Stimmung machen diesen Film zu einem kleinen Horrorklassiker, der leider an eingien Stellen etwas Potential verschenkt.

The Thirteenth Chair (1929)

Tod Browning (Dracula, 1931) und Bela Lugosi (The Ape Man, 1943) sind natürlich immer eine gute Kombo, zu viel dürft ihr hier allerdings nicht erwarten. Es handelt sich bei „The Thirteenth Chair“ um Brownings erste Tonfilmarbeit, was man hier an jeder Ecke deutlich merkt. Alle Darsteller spielen sehr hölzern und jede Szene ist sehr statisch angelegt, was wohl beides an der damals noch sehr schwierigen Tontechnik zu tun hat. Insgesamt wirkt der Film also eher wie ein Theater Mitschnitt. Leider ist der recht schnörkellose Krimi mit leichten übernatürlichen Elementen nicht gerade voller Überraschungen oder unvorhergesehenen Wendungen. Filmhistorisch durchaus ein wichtiger Film, Heute aber leider nur noch wenig unterhaltsam.

Schloss des Schreckens (1961)

Fantastisch gut gealterter Gothic/Social Horror von Regisseur Jack Clayton (Der Große Gatsby, 1974), basierend auf dem Roman „The turn of the screw“ von Henry James. Die Sets sind unheimlich stimmungsvoll, jede Szene ist toll ausgeleuchtet und auch die Schauspieler*innen, inklusive der Kinderdarsteller*innen, machen einen tollen Job. Die Handlung ist durchweg spannend und zugleich bleibt genug Raum für Charakterentwicklung. Eben diese Machen den Film letztlich auch so stark, sehr interessant was für gute Analysen solch ein alter Roman und fast so alter Film zu Themen wie toxischer Männlichkeit haben kann. Die Geschichte wurde bis Heute dutzende Male verfilmt, so perfekt wie hier wurde der Stoff danach aber nie wieder auf die Leinwand gebracht. Große Empfehlung für alle die auf der Sache nach schwarzweiß Geisterhäuserfilmen sind.

Kalenderwoche 37: Arme in der Spülmaschine, Wettervorhersage, geschenkte Rosen, Doctor Who beim Militär, Geisterwurst & Affensaft!

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Thunderbolts* (2025)

Wenig bunt, wenig Situationscomic, ertragbar viele versucht witzige Sprüche und etwas mehr Anspruch als gewohnt lassen die „Thunderbolts“ zu einem der unterhaltsameren Marvel Filme der aktuellen Phase werden. Vor allem dass, das Thema Trauma und Depressionen in einem Film dieser Art halbwegs ernsthaft angegangen wird ist respektabel und dank Florence Pugh und Lewis Pullman bekommen die emotionalen Momente sogar etwas Gewicht. Der Rest ist aber nicht mehr als die vorherigen Marvel Filme. Adäquate Actionszenen, etwas leichter Humor mit Pathos und Gezanke.

Disclosure Day - Der Tag der Wahrheit (2026) [Plaion]

Spielberg muss mal wieder über den Erstkontakt mit Alien reden. Hier macht er leider nichts neues, die Aliens sind langweilig, der Film insgesamt auch technisch nur auf akzeptablen Niveau. Es passiert eigentlich nie etwas wirklich interessantes und wenn doch, dann kommt ein merkwürdig aussehendes CGI Tier und macht alles kaputt. Wäre es nicht Spielberg, hätte der Film es sicherlich nur auf direkten Weg zu den Streaming Anbieter*innen geschafft. Schnarchig.

Als Bonusmaterial bekommt ihr lediglich ein kleines Video über die Zusammenarbeit zwischen Spielberg und John Williams.

Der goldene Pfeil (1962) [Plaion]

Heute ist der italienische Regisseur Antonio Margheriti wohl vor allem für „Asphalt-Kannibalen“ bekannt. Umso erstaunter war ich als ich feststellte das der Sandalenfilm „Der goldene Pfeil“ ebenfalls unter seiner Regie entstanden ist. Dabei handelt es sich nämlich um einen Film den ich in meiner Kindheit oftmals im Fernsehen sah, natürlich ohne zu wissen wer Margheriti war und womit er sonst so die Moral junger Menschen korrumpierte. Bei diesem 60er Jahre Machwerk geht es allerdings noch recht brav zu. Ein Gauner mit einem Herz aus Gold, aber etwas zu viel Arroganz will die Prinzessin von Damaskus ehelichen und dabei zugleich den despotischen Wesir stürzen. Dazu brauch er aber den goldenen Pfeil. An diesen wiederum gelangt er nur wenn er einige körperliche, geistige und moralische Aufgaben bewältigen kann. Das ganze ist solide gefilmt, bietet einige nette Kulissen, viel stumpfen Humor und natürlich eine altbackene Liebesgeschichte. Wer aber für das Plastikkrokodil bleibt wird belohnt. Insgesamt ein ganz amüsantes Märchen.

28 Days Later (2002) [Plaion]

Tierbefreier*innen dringen in ein Versuchslabor in London ein, in dem gefährliche Experimente mit Viren an Schimpansen durchgeführt werden. Entgegen das betteln einer der Forscher, öffnen sie fälschlicherweise den Käfig und lassen somit eine schreckliche Plage auf die Menschheit los. Schon kurz darauf sind fast alle Bürger*innen Groß Britanniens, die sich nicht ins Ausland absetzen konnten, mit dem Tollwut ähnlichen Virus infiziert.

28 Tage später wacht Jim (Cillian Murphy) allein, verwirrt und orientierungslos aus einem Koma auf. Er ist ganz allein in einem Krankenhaus und das mitten in London. Er weiß nicht was geschehen ist, aber schon bei seinem ersten Treffen auf die Infizierten muss er alles geben um nicht zu sterben. Im letzten Moment wird er von Selena (Naomie Harris) und Mark (Noah Huntley) gerettet. Die beiden bringen ihn auf den neuesten Stand der Dinge und gemeinsam versuchen sie einen sicheren Ort zu finden.

„28 Days Later“ war lange Zeit ein Hassobjekt für mich, was daran lag das der Plot von Zombieähnlichen Monstern handelt die rennen können. Ein Frevel, so was würde ich nicht unterstützen. Als Teenager hielt ich es für unmöglich so einen Film gut zu finden. Durch einen Zufall sah ich dann irgendwann doch. Es kam wie es kommen musste und natürlich bin ich heute großer „28“ Fan. Ich finde soviel daran toll. Es fängt mit den Tierbefreier*innen an, diese Menschen wollen ein paar Affen aus der Hölle dieser Versuchsanstalt befreien und lösen damit diese Katastrophe aus. Zeigt uns das die Menschen selbst mit den edelsten Motiven nur in der Lage ist die Welt untergehen zu lassen. Danach geht es weiter mit Cillian Murphy (Inception), der mir auch als Scarecrow in den Nolan Batmen sehr gefällt. Diese Szenen in denen er ohne Dialog durch die verlassenen Straßen von London läuft haben soviel Atmosphäre, einfach toll. Und dann ist da noch Selena, gespielt von Naomie Harris (hat sie jemals wieder etwas gutes gedreht? Dinotopia und Ninja Assassin sind schöner trash aber doll ist das nu auch nicht.). Eine starke schwarze Frau, womit man wohl versucht hat noch einen draufzusetzen auf Duane Jones Figur aus „Night of the Living Dead“. Zumindest erinnert sie doch sehr stark an Ben.

Das die „Infizierten“ sich so schnell bewegen können sagt mir trotzdem nicht zu und zum Ende hin bricht die Atmosphäre immer wieder ein wenig ein. Insgesamt handelt es sich bei „28 Days Later“ aber um einen gelungenen und äußerst stimmigen Epidemie Film.

Die 4k Disc von Plaion bietet neben einem Audiokommentar auch deleted Scenes, auch diese wenn gewünscht mit Audiokommentar, Storyboards, eine Fotogalerie und mehr.

La Maison ensorcelée (1907)

Sechs minütiger Kurzfilm aus dem Jahre 1907. Eine französische Produktion des spanischen Regisseurs Segundo de Chomón (The Frog, 1908). Darin suchen drei Reisende Zuflucht in einer alten Hütte, in der sie sich dann aber mit Poltergeistern herumärgern müssen. Diese lassen Möbel verschwinden, drehen das Haus oder bereiten in einer putzigen Stop-Motion Sequenz auch das Frühstück vor. Charmanter kleiner Film, der vor allem durch tolle Set-Ideen, aber auch durch Stop-Motion, sowie Front- und Rückprojektionen Arbeitet. Ein tolles Beispiel für frühe Filmtricktechnik.

The Ape Man (1943)

Bela Lugosi spielt einen verrückten Wissenschaftler der sich zu viel Affensaft gespritzt hat. Jetzt hilft nur noch menschliches Rückenmark, aber woher nehmen wenn nicht stehlen? Freiwillig will sich jedenfalls niemand ins Rückenmark piksen lassen und so muss Affenmann Lugosi mit seinem treuen Begleiter, einem echten Gorilla (oder eher einem Menschen im Gorillavollkostüm) auf Menschenjagd gehen.

Mit nur 64 Minuten Spielzeit ist der Spuk zum Glück schnell vorbei. Allein das blöde 4th Wall breaking Ende und das Gorillakostüm sind somit eine Sichtung wert. Ansonsten hat Lugosi noch 1-2 starke Monologe in denen man erahnen kann wozu er eigentlich fähig ist. Der Rest verirrt sich leider in immer selben Szenen in den immer selben drei Räumen, ein Horrorthrillermysterykrimi mit vielen Charakteren die nichts zur Handlung beisteuern und am Ende ist es natürlich die Liebe die das Ungeheuer getötet hat.

Kalenderwoche 36: Der Präsident wird rot vor Zorn, schwebende Schildkröten & hungrige Hummer!

Kalenderwoche 36: Der Präsident wird rot vor Zorn, schwebende Schildkröten & hungrige Hummer!

Captain America: Brave New World (2025)

Merkwürdiger Film der den Spagat sucht zwischen amerikanischer Power Fantasy und einer Kritik der aktuellen Sozialen Probleme des Landes. Am Ende schafft der Streifen aber beides nicht, sodass es egal ist was man selbst denkt, unzufrieden sind am Ende alle. Vor allem versucht man sich hier an einem politischen Gewissen ohne soziale oder geopolitische Konflikte anzusprechen. Alles komplett wischiwaschi ohne Rückgrat. Hinzukommt ein schrecklich unpassend gecasteter Harrison Ford, der sich müde durch den Film kämpft und Protagonist*innen sowie Schurken, die stets eindimensional bleiben und deren Dialoge jegliche Charakterentwicklungen behindern. Da helfen auch keine Gastauftritte von Liv Tyler und Sebastian Stan.

Gamera the Brave (2006)

Dieser, der bisher letzte abendfüllende Gamera Streifen, ist wieder deutlich kindgerechter als es die 90er Trilogie war. Etwas traurig darüber war ich schon, dafür bekommen wir hier auch einige Babygamera- und Teenagegameraaction geboten. Und da muss man zugeben: Knuffig ist das alles schon und selbst das CGI ist nicht so schlecht wie erwartet. Zudem sind die Monsterkostüme wieder richtig gut und ausdrucksstark geworden. Der Kampf zwischen Gamera und dem fiesen Varan hat es dann auch in sich und schafft es geschickt zwischen klamaukigen Momenten, viel Kitsch, aber auch bedrohlichen Szenen und einigen sehr guten Miniaturszenen zu balancieren. Insgesamt ist der Plot mit den Kindern etwas ermüdend, insgesamt fühlte ich mich aber gut unterhalten.

Teenagers from Outerspace (1959)

Aliens haben die Erde als Weideort für ihre gigantischen Monsterhummer auserkoren. Einer der Aliens entdeckt dann jedoch das Menschen auf dem Planeten leben und bekommt plötzlich doch Gewissensbisse und versucht gemeinsam mit einem Mädchen und ihrem Opa seine Kumpels von diesem Plan abzuhalten. Herrlich wirres Drive-in Kino für alle, die grottige Effekte und Acting lieben, das so hölzern ist, dass wir damit den Amazonas wieder aufforsten könnten. Toll. Fünf von Fünf buttrige Hummerscheren!

Carlsen Manga im September 2026!

Carlsen Manga im September 2026!

Dragon Hunt Tribe #2

Zweiter Band von Shiro Kurois Dark-Fantasy Reihe. Der Band handelt von der Trainingsprüfung unserer Protagonist*innen, bei der sie sich auf einer kleinen Insel einem ausgewachsenen Drachen stellen müssen. Der Kampf ist ziemlich episch aber bodenständiger als man es allgemein von einem Manga erwarten würde. Die Attacken haben Gewicht und Konsequenzen es sterben immer wieder liebgewonnene Charaktere und der sehr europäisch beeinflusste Zeichenstil verleiht dem ganzen seinen düsteren, dreckigen Anstrich. Während all der Action bleibt dennoch Zeit für etwas Philosophie und auch die sozialen Dynamiken in solch einer Welt werden gut ausgelotet. Auch der zweite Band ist also ziemlich stark und macht erneut Lust auf mehr. Ein interessante Mischung aus „Monster Hunter“ und „Attack on Titan“.

Once Upon a Dream – Der Manga

Und genau deshalb sollte ein Prinz nicht ohne Konsent eine schlafende Prinzessin küssen. Jetzt ist er auch eingeschlafen und muss sich gemeinsam mit Prinzessin Aurora durch die Träume der Prinzessin kämpfen. In dieser Manga Neuinterpretation von „Dornröschen“ in der die Prinzessin zum Glück etwas mehr Wirkmacht verliehen bekommen hat finden wir uns erneut im „Twisted Tale“ Universum wieder. Hier werden altbekannte Disneystoffe im Stile japanischer Manga neugegossen, wobei man sich hier dann eher an ein Teenage Publikum richtet. Das sieht dann eigentlich auch ganz nett aus ist flott geschrieben und könnte durchaus auch als verlorengegangener Fantasy / Magical Girl Manga der Neunziger durchgehen. Bisher jedenfalls meine liebste Neuinterpretation in diesem Stile.

Stitch reist in der Zeit #2 - … ins Italien der Renaissance

Diesmal hat es Stitch ins Italien der Renaissance verschlagen, wo er den Fiesling Van Hamsterdam aufhalten muss, damit dieser wiederum nicht die Geschichtsschreibung auf den Kopf stellen kann. Gewohntermaßen gelingt das unserem putzigen Alienfreund natürlich nicht ohne das er selbst für ein mittelschweres Chaos sorgt. Action- und Temporeich geht Stitchs Reise durch die Epochen weiter. Lustig wie immer und nebenbei auch etwas lehrreich kommt er in so manche turbulente Situation. Das Artwork ist etwas einfach aber dennoch dynamisch und ausdrucksstark aufs Papier gebracht. Für Stitch Fans wieder eine sichere Wahl.

Und dann gab’s keines mehr #1

Aya Nikaido versucht sich an einer Mangaadaption einer von Agatha Christies bekanntesten Geschichten. Der erste der drei Bände braucht natürlich, wie die Vorlage auch, relativ lange um alle Protagonist*innen vorzustellen. Dabei wird aber ziemlich schnell deutlich, dass es sich hier eine relativ trockene und starr übernommene Adaption des Stoffes handelt. Es werden wenig eigene Ideen eingebunden, die sich das Medium Manga zu Nutze machen würden. So bleibt zwar ein solide gezeichneter und geschriebener Manga zurück, dem es aber an Charakter und Seele fehlt. Wen ihr also auf der Suche nach einem Cozy Krimi seit, dann könnt ihr ruhig zugreifen, aber diese Adaption bringt dieser Geschichte keine neue Facette hinzu.

Kalenderwoche 35 2026: Bubble Buddies, blockige Buben & Schusssichere Tänzerinnen!

Kalenderwoche 35 2026: Bubble Buddies, blockige Buben & Schusssichere Tänzerinnen!

Der Astronaut - Project Hail Mary (2026) [Plaion]

Nach dem großen Erfolg von „Der Marsianer: Rettet Mark Watney“ (2015) nun also die nächste Verfilmung eines Science-Fiction Romans von Andy Weir. Gewohnt unverschämt charismatisch schlingelt sich Ryan Gosling (Blade Runner 2049, 2017) auch hier gekonnt durch den Film und kein seine spleenige Rolle publikumsfreundlich auf die Leinwand bringen. Dabei können seine Interaktionen mit seinem Alienfreund, wie aber auch mit der gewohnt großartigen Sandra Hüller (In den Gängen, 2018) ulkig, albern, herzlich aber auch herzzerreißend sein. Der Film schwankt dabei zwischen harter Science-Fiction, Drama, Komödie und ist dabei aber auch immer ein wenig wie ein 80er Jahre Science-Fiction für die ganze Familie. Kann durchaus verstehen wenn das für viele etwas zu sehr gezuckert oder gar kitschig erscheint. Ich fühlte mich aber oft daran erinnert das viele Science-Fiction Filme meiner Kindheit eine ähnliche Stimmung hatten, die bei mir Interesse an Wissenschaft und ebenso eine Hoffnung auf eine bessere Zukunft weckten. Etwas das wir heute sicherlich dringend brauchen können, gerade wenn sogar unser Eskapismus von Sarkasmus und Nihilismus durchzogen ist. Auch schön ist hier, dass einige der Alieneffekte noch handgemachtes Puppenspiel sind und der Eridianer dadurch sehr viel mehr Persönlichkeit bekommt, als wenn es ein CGI Wesen wäre.

Im Bonusteil der Plaion Scheibe bekommt ihr ein paar entfallene Szenen, einen kurzen Blick hinter die Kulissen und einen recht interessanten Audiokommentar der Regisseure.

Ein Minecraft Film (2025)

Joa der Titel hat recht, dass ist ein Minecraft Film. Was Jack Black und Jason Momoa da machen weiß ich nicht so recht. Ich habe keine Ahnung vom Spiel, denke aber nicht, dass der Film mir bei meinem Verständnis geholfen hat. Teilweise ist das CGI schon ganz beeindruckend und ein paar Witze sind so doof, es ist dann doch ganz witzig. Glaube aber insgesamt war mir bisher wenig so egal wie dieser Streifen und ehrlich gesagt erinner ich mich auch an nichts mehr außer das da ein Schwein ist, das aussieht wie ein From Software Endgegner.

Lola Colt... sie spuckt dem Teufel ins Gesicht (1967)

„Lola Colt... sie spuckt dem Teufel ins Gesicht“ ist erstmal ein starker Titel und Lola, gespielt von der US-amerikanischen Tänzerin Lola Falana ist durchaus charismatisch genug ein paar der Szenen zu stemmen. Nur ein paar Jahre zuvor wurde Lola ein kleiner Star nachdem sie am Broadway als Tänzerin für Sammy Davis Jr. auftrat. Diese Bekanntheit führte sie schließlich nach Italien wo sie diesen kleinen, familientauglichen Italo-Western abdrehte. Es geht um eine Tanzmaus, die aber auch gut mit Colt und Pferd umgehen kann und schließlich nicht nur das Herz des ortsansässigen fast Arzt erobert, sondern auch eine kleine Stadt vor El Diablo und seiner Gang rettet. Das ist recht kurzweilig und meist ziemlich unaufgeregt. Die Action ist herrlich planlos und einen logisch nachvollziehbaren Handlungsablauf brauch man dann auch nicht. Am Ende ist jedenfalls alles gut, Lola findet Liebe. Sant’Anna ist gerettet. Wir verdrücken eine Träne für den kleinen irischen Jungen der sich im Kampf geopfert hat. Ordnung ist wieder hergestellt.

Kalenderwoche 34 2026: Weltraummonser, ein Tag im Museum & Katzenrettung!

Kalenderwoche 34 2026: Weltraummonster, ein Tag im Museum & Katzenrettung!

Gamera Super Monster (1980)

Nach neun Jahren Abstinenz kehrt Superkröte Gamera zurück. Und wie! Der Film liefert uns ungefähr ein drittel der Laufzeit neuen Stoff und der hat sich gewaschen… Aber nur im negativen Sinne. Geboten werden drei Aliendamen im Supermandress und ein ordentlich los orgelnder Junge. Nervig, aber irgendwie noch infantil unterhaltsam. Der Rest des Films ist dann ein Stock Footage Best of aus Gameras glücklicheren Tagen. Einzige neue Gamera Szenen sind hier zusammenkopiert mit Sequenzen aus den Anime Serien „Spaceship Yamoto“ & „Galaxy Express 999“. Schmerzlich langweilig und blöde.

Junge Dornen (1967)

Lächerlich schlecht gealtertes Drama aus dem „How can I reach these Kids“ Subgenre. Sidney Poitier (The Defiant Ones, 1958) kann durch seinen Charme jedoch den Film auch durch so manche Durststrecke bringen. Er tanzt ungelenk und macht einen Frucht / Gemüsesalat und das ist schon viel Wert. Das vertröstet auch ein wenig bei den überflüssigen Bild-Montagen und den steinzeitlichen Geschlechtervorstellungen. Aber im ernst: „To Sir, with Love“ hatte damals sicherlich sehr gute Absichten und konnte damals wohl auch für etwas mehr Verständnis für rebellische Teens werben. Heute aber nur noch für Sidney und als Zeitdokument zu gebrauchen.

The Marvels (2023)

Kurzweiliger Marvelspaß. Höhepunkte sind natürlich Goose und Iman Vellani die in ihrer Rolle als Kamala offensichtlich viel Spaß hat, was man dem Film auch anmerkt. Die Teleportationsfähigkeiten der drei Marvels fügt einigen Kampfszenen etwas benötigtes Chaos hinzu. Sicherlich kein Meisterwerk, aber wer würde das schon ernsthaft über die anderen MCU Streifen sagen? Ich fands nett.

Kalenderwoche 33 2026: Inselmonster, Untergrundmonster, Mannmonster & Sonnenstrahlen für alle!

Kalenderwoche 33 2026: Inselmonster, Untergrundmonster, Mannmonster & Sonnenstrahlen für alle!

Das Geheimnis der Monsterinsel (1981)

Der Millionär Kolderup (Peter Cushing) erwirbt aus einer Laune heraus eine Insel. Kurz darauf lässt er ein paar seiner Leute auf eine Expedition zur Insel los. Unter den Männern ist auch sein Neffe Morgan (Ian Sera), der mit dieser Reise etwas erzogen werden soll und dessen kauziger Hauslehrer (David Hatton). Allerdings verläuft die Fahrt mit dem Schiff nicht sonderlich gut und schon bald werden sie von Tang behangenen Seemonstern attackiert. Mit ihren letzten Kräften können die beiden Männer sich auf die Insel retten, aber auch dort warten einige Monstren auf die beiden.

Schon beim ersten Blick auf das Cover war klar, das diese mehr als lose Jules Verne Adaption ulkig werden sollte. Was mich dann aber erwartete konnte ich nicht ahnen. Die Monster sehen im Film nämlich noch knuffiger aus als ihr es ahnen könntet. Euch werden Seetangmonster, ein Gummidino, Blaseraupen und ein schießwütiger Affe geboten. Hinzu kommt noch ein Peter Cushing (Shock Waves, 1977), der überhaupt nicht weiß wie ihm geschieht und eine deutsch Synchro die sich gewaschen hat. Alles völlig scheiße, einiges macht dann durch den widersinnigen Twist irgendwie doch Sinn, aber unterhalten kann dieses Monstrum von Film auf voller Linie.

Richtig gut ist an diesem Stück Filmgeschichte aus den Händen von Juan Piquer Simon (Slugs, 1988) eigentlich nichts. Es sieht aber auch nie danach aus als hätte Jemand mehr von diesem Film erwartet. Alle haben aber augenscheinlich ihre Freude an dem Schabernack den sie da treiben, außer vielleicht Cushing. Der Humor ist schön daneben und die drei Hauptfiguren gespielt von David Hatton (Vaterland, 1994), Gasphar Ipua (Sea Devils, 1982) und Ian Sera (Pod People, 1983) haben eine tolle Chemie und spielen schön locker und so wie es sich für solch einen Film gehört. Klare Trash Empfehlung.

Phantastische Reise zum Mittelpunkt der Erde (1977)

In einer Buchhandlung wird dem Professor Otto Lindenbrock (Kenneth More) ein alter Reisebericht des Wissenschaftlers Saknussem zugespielt. Darin ist die Rede von einer phantastischen Reise unter die Erde, bis tief nach unten zum Mittelpunkt der Erde. Das Interesse des Forschers ist geweckt. Sofort plant er eine Expedition, bei der er von seiner Tochter Glauben (Ivonne Sentis) und ihrem Verlobten Axel (Pep Munné) begleitet wird. Sie reisen nach Island wo der Abstieg bis zum Mittelpunkt der Erde möglich sein soll. Dort heuern sie den isländischen Schäfer Hans (Frank Braña) an, der mit ihnen in einen Vulkankrater hinabsteigt. Bald entdecken sie eine fremde Welt voll mit prähistorischen Monstern.

Diese spanische Verfilmung des Abenteuer Klassikers von Jules Verne, ist im Grunde nichts anderes als eine aufgewärmte Variante der Version von 1959. Beide Verfilmungen sind sich sehr ähnlich und unterscheiden sich abgesehen von einem der Nebenhandlungen beinahe gar nicht. Leider ist der Humor hier nicht ganz so gelungen, dafür funktioniert der Film im Abenteuer Teil ganz gut. Die Dinosaurier sehen richtig schön schäbig aus und sind ein Fest für die Augen. Gummieidechsen auf Rädern, ganz großes Kino. Nur die Menschenfressenden Schildkröten sehen ganz cool aus, aber auch der Kampf der Plesiosaurier ist nicht total verkehrt.

Aber nicht nur in Sachen Monstereffekte und Kulissen ist diese Verfilmung schwächer, sondern auch bei der Besetzung. Frank Braña (Pod People, 1983) hat eine ungehörige Badass Trash Attitüde, die restlichen Darsteller*innen, die viel wichtiger für den Film sind, haben aber keine besondere Ausstrahlung und spielen nie besser als nur okay. Für Verne Fans also durchaus ein gelungenes Werk, wer aber nur mal Interesse an der Geschichte hat hält sich an die Verfilmung von 1959.

Das Monster von Tokio (1959)

Der amerikanische Journalist Larry Stanford (Peter Dyneley) reist nach Japan, um dort den exzentrischen Wissenschaftler Dr. Robert Suzuki (Tetsu Nakamura) zu interviewen. Als der unvorsichtige Reporter im Berglabor des Doktors ankommt, merkt dieser zugleich wie unaufmerksam er ist. Damit erweist er sich als perfektes Versuchskaninchen für die nächsten Experimente. Er betäubt ihn und injiziert ihm darauf ein mysteriöses Mittel, das immer mehr seine animalischen Triebe stärkt. Schon kurz darauf hat er sich ganz verändert, betrügt seine Frau Linda (Jane Hylton) mit Geishas und man könnte beinahe denken, ihm wächst da was komisches auf der Schulter.

“The Manster” ist eine US-amerikanisch, japanische Co-Produktion aus den späten Fünfzigern. Veröffentlicht werde der Film 1960 als Double Feature mit “Eyes Without a Face”. George P. Breakstons (Golden Ivory) Geschichte erzählt von einem US-Reporter, der an einen leicht wahnsinnigen Wissenschaftler aus Nippon gerät, der ihn dann auch gleich zu einer Bestie machen möchte. Relativ grafisch wird schon im Intro klar gemacht, dass mit Dr. Suzuki nicht gut Kirschen essen ist. Der gewissenlose Wissenschaftler, gespielt von dem aus Titeln wie “U 2000 - Tauchfahrt des Grauens” (1963) und “Das Grauen schleicht durch Tokio” (1958) wohlbekannten Tetsu Nakamura (hier jedoch unter dem Namen Satoshi Nakamura kreditiert), hat nämlich schon einige andere Kreationen hervorgebracht. So sehen wir schon in den ersten Minuten wie ein intelligenter Gorilla einige Geishas beim Baden abmurkst und dann ist da noch seine Ehefrau, die zu einer widerlichen Mutation verkommen ist und von ihm gefangen gehalten wird.

Auch wenn die Effekte des Mansters eher lächerlich wirken, ist gerade dieser nüchterne, aber für damals sehr harte kalte Anfang sehr effektiv. Besonders das Make-Up und die Prothesen seiner Frau kommen durch die gelungene Beleuchtung etwas sehr unheimliches. Außerdem wird dadurch schnell klar, wie wenig man sich an damalige Restriktionen halten wollte. Für die Entstehungszeit zweifellos einer der härteren und ernsteren Drive-In Movies. Nach dem Intro wird es aber doch erst einmal sehr zeitgemäß wie in allen Filmen der damaligen Zeit und besonders in billigen Horror und Sci-Fi Flicks, geht es darstellerisch sehr hölzern zu, Anderes wie im Theater sehr übertrieben und dick aufgetragen und natürlich wird es auch äußerst melodramatisch. Die schlechtesten, aber auch ungeteilt lustigsten Momente haben immer etwas mit dramatischen Ereignissen zwischen Larry und Linda zu tun. Man erkennt die Dramatik an einem starken Kamerazoom und dem unheilvollen Geräusch: “Döödüüm”. Wie beim Zonk.

Trotz all des Trashs handelt es sich hierbei doch um einen der frühen Genreergüssen, mit durchaus subversiven Inhalt. Sexualität wird oft angedeutet und erwähnt. Die Hauptfigur betrügt seine Frau, verlässt sie und macht mit Geishas rum. Und das alles zu einer Zeit, während der man im Mainstream nicht mal zeigen durfte, wie Ehepaare sich ein Bett teilten. Die körperliche Transformation sieht etwas albern aus (auch wenn Sam Raimi bei “Army of Darkness“ klar darauf anspielt), die psychische packt dafür umso mehr. Anspielungen auf Alkohol- und Drogensucht sind sicherlich kein Zufall und gerade der damit einhergehende sittliche Zerfall unseres einstigen Helden zeigt Parallelen zu “Der seltsame Fall des Dr. Jekyll und Mr. Hyde” und geht ähnliche Wege, nur eben mit dem etwas exotischeren Background Japans.

Das menschliche Monster hat jedenfalls einiges zu bieten: Trash, unfreiwillige Komik, schlechte Effekte, gute Effekte, lustiges versuchtes Drama, einen mitreißenden Plot und ulkig vorgetragene Dialoge, die dennoch ein wenig gewagt sind. Für Trash Liebhaber, die trotzdem noch etwas Anspruch verlangen genau das Richtige.

Ein Fleck in der Sonne (1961)

Filmische Adaption des gleichnamigen Theaterstücks, über das Unglück das eine schwarze Familie zu zerreißen droht: Eine große Versicherungssumme. Mit wenigen kleinen Änderungen könnte dies auch einfach eine Aufzeichnung einer Theatervorstellung sein, der Cast des Films, allen voran die großartigen Claudia McNeil (Moon of the Wolf, 1972) und Sydney Poitier (The Defiant Ones, 1958). Bis in jede Nebenrolle toll besetztes Sozialdrama, das Heute vielleicht teilweise etwas hölzern und verstaubt erscheint, doch gerade in der Frage um Klassismus noch aktuelle Lehren vermitteln kann. Ansonsten ein tolles Zeitstück mit vielen mitreißenden Szenen.